一阴一阳之谓道

连芷平

——女，生于福建，现工作、生活在厦门和德国柏林。

——Lian Zhiping, born in Fujian, Lives and works since 2008 in China and Berlin, Germany.

《搁浅之地》

犹在镜中

空山

藏

另一间屋子

搁浅之地

陨

渊

柩

入夜

蜕

创作阐述：

2009年，我在旧货市场上买到6只破旧的女人偶，在接下去的两年间为其创作了《搁浅之地》系列。这些人偶带有空洞的眼神、迷惘的欢愉，程式化的五官里饱含着生动的冷漠，或是洞见事故的讥讽，破旧的身躯似乎蕴含着超能量，并存着人性、神性与巫性……我像一个编剧，为她们量身构建故事情节，然后像一个导演，以静态的摄影形式拍摄下这一切。

这些情节的生成源自个人经验：我的出身、经历，我与社会的互动与交涉、我对性别以及世界的理解。这一切看似从“我”出发，而最终它们都离弃了个人的“我”，成为了“我们”——既是“我”，又是“她者”。

我的创作方式是向内的，在一次次的审视与自审中，我反复试图对“我们自己”做出判决，试图建立一种真诚的关怀和见证，我不希望人们将这种情感当做“自怜”，也反对它变成某种道德优势。

此外，我在摄影创作中一直努力实验，希望在对我们的现实命运有所承担的同时，能兼顾摄影的精神与技艺的尺度。

毛宇

男，1980年  生于 黑龙江

2006年  毕业于西安美术学院，目前生活于西安。

个展

2008年  “人类之树”红寨画廊，上海

群展

2008年  “Eclectic People”加州摄影博物馆，美国

2007年   第三届中日友好交流展

2005年   “第六届”陕西版画展， 陕西

《人类之树》

生命之不惑

生命之仗潮

生命之

生命之天命

生命之古稀

创作阐述

“人类之树”系列，是毛宇在西安郊外的农村铺排并拍摄完成的。十一幅画面如中国古代贤儒描述的分别对应于人类在身体、心理和精神发展的不同阶段。毛宇的哲学来自于道教和佛教教义的启发。精心布局的画面同时反映了道教“天地合一”的概念和佛教的轮回。艺术家本人与他的树同时成了这首人类与宇宙之歌的主角。人与树一起立在天地之间，并戏剧性地运用了红线，提供了一种视觉上的延续性。红色代表了普遍的文化内涵，在中国，红色也是“本命年”的象征。

这一系列的作品是在时空交叉点上，由联系人类和宇宙的一根松散的红色丝带开始，结束于红布包裹着的胎儿。这个系列的核心作品是一颗柿子树，选择柿子树是因为从形态上来看它和佛教里的菩提树很相像，树上面垂挂着多个用红布包裹着的生命之茧，毛宇裸体躺在树的脚下，身体和灵魂与自然合而为一。让人不禁想起中国的一个成语：落叶归根。在另一幅作品中，人与树互为结婚的对象，掩藏在新娘的婚裙之下的正是表现了人类与自然施虐与受虐关系的工具。在他的几幅作品中，都出现了一把红色的扶手沙发，象征着人类充满了改变自然的欲望。在一堆粪便之上，历史被诙谐的视像改写了。在另一幅作品中，毛宇像一个被宰杀的动物一样垂悬在一个典型的农户家的大门外，苦涩而幽默的是，旁边的墙上写了几个大字：幸福一生。

毛宇的诉求绝不是空空的大都市里的霓虹，二十人类精神的精华与核心，以及人与自然的关系。他所关心的是追求城市化繁华的人类正在远离其本质真正的需求，而人越远离其本质，就必然越不可避免的遭遇混乱的心理焦虑：疏离感、幻灭感，以及生存感的消失。这时候，人也许只有通过更好地了解自我和自我所处的环境，才能为自己设计并创造快乐的人生。

将近而立之年的毛宇以古城西安为家，以及自己油画、版画和行为艺术的创作基地。“人类之树”是他第一个行为艺术摄影系列，能够成熟的表达他的过去和现阶段的艺术创作，也是其未来的艺术飞跃的一个起点。

主题：从摄影记者转型为商业摄影师

——台湾摄影师Mark分享业界生态

演讲者：简瑞宏 Mark（台湾）

时间：2011年11月19日（周六）15:00

地点：上海市静安区乌鲁木齐北路210号

主办：鲲鲤国际影廊（kunst.licht Photo Art Gallery）

性质：免费

电话：+86 21 62490737

邮箱：info@kunstlicht.sh

网站：www.kunstlicht.sh

也许，你正想从一个报纸的摄影记者、一个杂志的图片编辑，转型成一位商业摄影师。也许，你正经历的，他已经历过。

台湾摄影师简瑞宏（Mark Chien），是少数从新闻摄影领域跨足商业摄影领域的成功者之一。

从新闻摄影到商业摄影，Mark经历了从对自己过去的完全破坏，到重建的过程。

在商业摄影和新闻摄影的不同生态竞争环境中，Mark都亲身经历过。无论是做同时掌握灯光以及电脑后制修片的商业摄影师，还是做新闻记者，Mark都有着自己的经历和感悟。

如何在职业生涯中降低可取代性，以及从摄影记者转型到商业摄影师的过程中的种种体悟，Mark将在鲲鲤国际影廊与大家分享。

大学时期，Mark就已经开始了报道摄影的生涯。可能是由于念新闻学的专业使命感，学生时代的他就对台湾西门町被拆迁的历史老街“剥皮寮老街”进行了纪实拍摄。这组片子，不仅刊登于新加坡的《摄影人》杂志，还接受了台湾电视台摄影档案节目的专访。

擅长于在照片中叙述故事，在台湾发行量第一的报纸做摄影记者的多年经历，经历过各种不同路线的新闻题材，从灾难新闻到娱乐新闻，都是他在不同媒体所专注的领域。

在成为资深摄影记者之时，Mark没有选择已经稳定的职业生涯。2005年，Mark赴美国攻读摄影硕士学位。在旧金山艺术大学，Mark开拓了新的视野，锻炼自己从企划题目到摄影执行以及电脑后期修片的能力，成为能够同时掌握灯光以及电脑后制修片的商业摄影师。

在美国期间，Mark以超现实主义的摄影风格分别在2007年入选Epson全美专业摄影比赛的决赛，2008年得到在美国迈阿密主办的Myshot全美摄影比赛的人物类佳作。

返回亚州之后,Mark先后在台北海洋技术学院以及上海复旦大学兼任摄影教学工作,也持续在商业摄影的领域累积作品,也先后为飞利浦、雅芳、通用汽车、Kappa、美津浓等知名品牌拍摄平面广告，并且与《世界都市ILOOK》、《新视线》、《费加罗FIGARO》等等的时尚杂志合作时尚大片。

简瑞宏

1978年出生于台湾省台北市

2000年中国文化大学新闻系毕业

1998-2005年陆续担任china post,民众日报,台湾壹周刊,台湾苹果日报摄影记者

2005年8月出版个人摄影记者生涯传记“ 快门密码”

2005-2009年赴美国旧金山艺术大学攻读摄影硕士以及从事自由摄影师工作.

2007年Epson全美专业摄影新锐比赛决赛入围

2008年获My shot迈阿密全美专业摄影比赛佳作

2009年一月返台担任台北海洋技术学院多媒体与游戏发展科学系摄影讲师

2009年九月赴上海发展

主题：谈长时期纪实摄影与获奖

演讲者：David Høgsholt （丹麦纪实摄影师）

时间：2011年11月5日（周六）15:00

地点：上海市静安区乌鲁木齐北路210号

主办：鲲鲤国际影廊（kunst.licht Photo Art Gallery）

性质：免费

演讲者简介：

David Høgsholt，丹麦纪实摄影师，将镜头对准世界上的社会问题，而展开长期纪实摄影项目。

1997年，David因缘际会开始了摄影。当时，他正参加一个朋友的婚礼，他清楚地记得那天早上五点，新郎的纪实摄影师朋友给他提了一个建议，说他可以试试拍照片。之后，他就开始做摄影师助理。2000年，他进入丹麦的一个专业摄影学校Fatamorgana，开始对摄影进行系统的学习。一年之后，他进入了丹麦新闻学院。

在丹麦的一家日报Berlingske Tidende实习锻炼之后，他成了丹麦另一家报纸Ekstra Bladet的正式摄影记者。 他在曼谷、上海日常的新闻故事。

David的长期纪实摄影项目，获得过两次World Press Photo（荷赛）大奖。

David的第一次被承认是在2004年，他的一个摄影项目“米亚·”，获得了Ian Parry Scholarship摄影奖学金，这个长期项目，是关于一个生活在哥本哈根的女人米亚，她是一个吸毒者，同时，也是一个妓女。接下来，这个项目获得了荷赛的两个大奖。也获得过四项全球年度图片奖(POYi)，新闻摄影领域最著名以及历史最悠久的奖项之一。同时，他还获得过四项年度报道摄影师奖（BOP/NPPA），美国最重要的新闻摄影奖项之一。

David的作品时常登上《新闻周刊》、《时代杂志》、《巴黎竞报》、《世界报》、《解放报》、《Colors》、《Sunday Times Magazine》、《纽约客》等。

鲲鲤正式入驻Artnet——全球权威的艺术品交易、搜索网站。

在鲲鲤的页面上，您能发现与鲲鲤合作过的摄影师们，如Michel Comte，本田晋一，沈玮，
刘立宏，以及他们精彩作品的详细介绍（尺寸、版数等）。

如果您有意购买他们的作品，请通过Artnet.com上的联系方式联系我们。

点击此处进入Artnet.com鲲鲤页面

上百张宝丽莱原片，组成有史以来最细小的展览——

『再会•宝丽莱』杨弘迅个展

——由“The Impossible Project”支持

开幕时间：2011年8月27日（周六），15：00

展览時间：2011年8月27日-2011年10月27日（周二休馆）
展览机构：鲲鲤国际影廊 kunst.licht Photo Art Gallery

策展人：爱米

地址：上海市静安区乌鲁木齐北路210号

联系方式：8621-62490737   info@kunstlicht.sh

青年摄影师杨弘迅近年的创作多以宝丽莱为载体。2010年，他在北京、广州、珠海三地的个展巡回展“再会•宝丽莱”，展出了他近五年来创作的十几组宝丽莱原片，从日常静物、动物标本、黑白城市到公众人物及朋友的肖像。

“再会•宝丽莱”杨弘迅个展与当今摄影界的潮流完全相反。它不以巨幅为美，不强调视觉冲击力，没有Photoshop后期制作，它用数百张宝丽莱原片，组成史上最细小的展览。此次在上海鲲鲤国际影廊的“再会•宝丽莱”个展，其部分作品得到了全球即时摄影项目The Impossible Project倾力支持。展览将展出杨弘迅用The Impossible Project相纸进行的一系列新创作，开幕当晚还将举行“非数字即时摄影”分享会。

内心的风景

杨弘迅的宝丽莱作品并不如他同时代的其他年轻摄影师那样张扬，他反倒在和身体里的那股年轻力量在对抗，企图用一种密不透风的方式把那些力量包裹起来，使得作品不那么直接，甚至有些过于含蓄和封闭。他着迷于那些看似琐碎的日常甚至有些近乎无聊的东西——屋子里发芽的土豆、几根电线、花朵上停驻的苍蝇、厨房里一堆瓶瓶罐罐，这些再寻常不过的物品或情景，在他的相片里新生，成就了内心的风景。

由于年龄与经历的关系，他在与外部世界的接触中却还是在较劲。他镜头中的那些城市风景没有刻意的喧哗与血泪，却往往带着搏斗的痕迹。这不是非黑即白的世界。楼道里被丢弃的娃娃公仔、博物馆里标本动物的头颅、街头交错的电线杆，事物的面貌有了很多新的意义。他的照片里，没有A胜B输。

宝丽莱作为最初纪念照、家庭照的功用体现在他持续不断拍摄的一系列公众人物照和朋友照，在他的拍摄名单中包括艾未未、陈丹青、蔡国强、贾樟柯等。问他为什么拍这些人物照，他的回答很无厘头，“既然拍了这么多了，就拍下去。”摄影在这个时候又回复到它最朴素的功能上，“留影存念”。（文：爱米）

secret

Shanghai

tree shadow

蔡国强

陈丹青

杨弘迅 BIOGRAPHY：

青年摄影师

1983年生于广州，现生活工作于北京。作品发表于《生活》、《城市画报》、《Theme》、《TIMEOUT》、《心理月刊》等多家媒体。

Web：www.yanghongxun.com

部分展览：

2007年，担任《深圳声音》别册的摄影师，参加深圳·香港城市/建筑双城双年展。

2008年，特约静物摄影，展出于无印良品MUJI中国展北京站“无印的中国天空”，798艺术区706大厂房。

2010年8月，受《心理月刊》杂志之邀，参与“内心生态”摄影联展。

2010年9月，参加2010大声展特别项目“TOO SHOT!2010 时装 X 摄影”展。

2010年9月，在北京钱粮美树馆，举办了『再会•宝丽莱』杨弘迅摄影个展。

2010年12月，在广州Concept 225，举行『再会•宝丽莱』杨弘迅摄影个展 广州站。

2010年4月，在珠海时代美术馆，举行『再会•宝丽莱』杨弘迅摄影个展。

出版：

2010年12月，与Concept 225 Goelia合作发行 杨弘迅《柒右贰分之壹》宝丽莱画册。

编年史：

1948年，美国着名的即时成像相机品牌——宝丽莱（Polaroid），推出世界上第一个即时成像相机Polaroid 95。

1972年，宝丽莱推出SX-70袖珍型即时成像相机，风靡世界。

2001年，宝丽莱公司宣告破产。

2006年，我开始拍宝丽莱。

2006年底，连州摄影展期间，摄影师曾翰说我拍的宝丽莱有些特别的东西。

战地摄影师Philip Blenkinsop鼓励刚拍宝丽莱不久的我，希望我坚持拍下去。

2007年，我父亲对于我的宝丽莱创作的评价是：“不能持续，没市场”。

2007年底，我从广州调到北京工作。开始尝试更多的宝丽莱相机和相纸。

2008年，Andy Warhol私人摄影师Christopher makos来了北京，我给他拍了宝丽莱。他和Andy Warhol的宝丽莱作品也给了我持续拍摄的动力。

2008年，艺术评论家及策展人方振宁看到我的宝丽莱作品，他鼓励我做一个宝丽莱摄影展。当时正值宝丽莱公司宣布全线停产相纸。

2009年，购入《塔可夫斯基拍立得摄影集》，从塔可夫斯基的作品里，我感受到日常生活的力量。

2010年初至今，The Impossible Project发布了几款新型的宝丽莱相纸。

2010年，我购入摄影师Robert Frank的宝丽莱作品集《Seven Stories》，他的作品带给我很多启发。

2010年，我的首个个展巡展“再会•宝丽莱”及第一本宝丽莱画册《柒右贰分之壹》诞生。

现在位于沈阳的鲁迅美术学院摄影系任教的刘立宏，是一个把摄影与自己的日常生活有机而又自然地结合在一起的摄影家。几乎从不离开沈阳这个中国东北大工业城市的刘立宏，把他所有的视觉兴趣与观看热情集中于沈阳的街头与小区。他大量拍摄，然后再把许多看上去没有任何联系的散乱的现实片断，经过巧妙的编辑，把这些影像片断拼组为一个虚实相间的超现实的城市图景。作为一个都市里的“游手好闲者”，刘立宏耐心地在城市的街头闲逛，敏锐地抓捕现实世界中偶尔探头、可遇而不可求的鬼脸“峥嵘”（真容）。在他的这些主要采用抓拍手法的照片中，我们既可以看到沈阳这个中国北方城市特有的气候（他经常会在雪花飞撒的时候出门）、生活方式与城市氛围，也可以领略城市本身令人出乎想象的惊奇“创造”。这些摄影，把地方性与人类生存状态结合一体，却又富含对于生活的温情幽默与温和讽刺。

现代生活的魅力在于日常中的琐碎所展现的细微而又丰富的生活细节。而为了展现现实的、也是生活的复杂细节，刘立宏带着照相机、还有那支被他运用得出神入化的闪光灯，从白天走向黑夜。他以娴熟的闪光灯技巧，采取了向隐退、沉没于黑暗中的事物投射强光的特殊表现手法，来呈现因为强光的刹那到访所造成的周围环境与事物的陌生感。在他人手中，闪光灯一般只是作为一种解决光线不足而采取的技术性辅助手段，但刘立宏却把它作为一种摄影语言加以积极的开发与运用。

这种向远处的无边深邃打出闪光的拍摄方法，就像是在向无边黑暗投射一颗照明弹。虽然不是永远却也暂时性地驱逐了黑暗，并且也因此点亮了某种希望，当然同时也给出了现实的另外一副面孔。不过，他的“投掷”光线的目的，并不仅仅只是为了驱逐黑暗，快意于瞬息之间由闪光所带来的一片明亮甚至些微的暖意。他是以向无边黑暗传送瞬间光明的办法，做出了传唤事物到场、拯救事物于黑暗之中并且将其永恒定格于透明底片之中的努力。以这样的独特语言与特殊手法，刘立宏重新塑造了事物的轮廓，确定了它们的身份，令众多事物在黑暗中脱颖而出，甚至获得本来无法在白昼拥有的意义与价值。因此，他是一个事物生命的赋予者。他用光赋予生命的光彩，在闪光的瞬间升华事物，令它们获得重视。他的闪光灯光在抵达事物的刹那，既改变了所要照亮的事物与背景的关系，也重建了摄影者与现实的关系。当然，这同时也彻底改变了我们对于现实的感受。刘立宏用向生活，哪怕是已经进入了黑暗的生活，投射强光、强行介入的办法、让平庸生辉，使日常闪光，更令现实生活借机展现其不为人知的妩媚。而这种迥异于白昼的妩媚，如果没有他那支如同阿拉丁神灯式的闪光灯的眷顾，是没有可能让我们体验到的。

而刘立宏的《土地》系列，是一部拍摄于２０１０年的纪实力作。当然，“纪实”两字是否涵盖了这部作品的全部，其实大可讨论。在此也只是一种暂时的确认。他照片中的这片土地，本是典型的东北农田。这样的农田，其土壤肥沃丰饶自不待言。他的照片在丰富的色彩和细密的描写，向我们展现出夏日里农作物的蓬勃长势与秋天丰收的喜人形势。但因为他所在学校的搬迁，他所拍摄的这片土地就要被、而且现在已经被坚硬的水泥所覆盖。原来，《土地》所关注的、拍摄的、展示的，其实就是一片普通的东北农地，如何逐渐地被现代化、城市化的理想、欲望与想象所消灭、如何从一片富于生产性的土地演变为冰冷的水泥地的过程。他不动声色地精细地具体呈现了一种发生在他的生活中、与他直接有关的在地（local ）的变迁，一种“自然”在人的欲望与意志之下，如何向一种“文化”的变迁，而且从某种意义上说又是一种自私而又粗暴的变迁。

《土地》所呈现的，既是一个“自然”被“文化”所“改造”的过程，也是一个富于生产性的土地由“软”变“硬”、由生产到不产的过程。这个过程同时就涉及到中国农民如何以土地为生，最终如何如何离土的过程。因此，这个过程也是一个农民们如何从土地的主人变成为土地的客人的过程。这一切的变化的更大背景就是当代中国的社会剧变。而这种变动，都是在刘立宏的细腻饱满的描写与刻划中、在刘立宏的精密审视下获得丰盈的呈现。其实，这组作品虽然充满了一种新画意的外表，张张画面都经受得起细细的品评，但实际上，却与当下社会变动中，中国农村中的农村如何消失、农民如何离农，农业如何衰败等严峻现实环环相接。

从观看方式看，他既保持了一定的审视距离，但却又通过饱满的色彩表现体现出了一种急切的现实关注。他将日常的诗意与对日常的哀悼同时记录了下来。这既是个人化的记录，也是一种个人化的抒情。在这里，记录与抒情的边界在哪里其实无从说起。在这个《土地》系列中，随着季节的变换，土地与农作物的色彩逐渐由生机盎然的绿色向奔放的金黄色转变，然后再由丰盈而渐渐走向枯竭。他的照相机所记录下来的农作物的枝枝叶叶，似油画笔触在画面中交叉掩映，腾挪闪藏，煞是好看。他的《土地》饱含充满沧桑感的生命痕迹，也以复杂丰富的肌理从视觉上展现中国东北地方的地理与自然特色，所谓“在地性”（locality）是也。当然，更重要的是，躲藏在这背后的正在发生的社会变化。诚如英国摄影评论家格里·巴杰（Gerry Badger）所说：“地方摄影中最迫切的问题是该地的历史、它是怎样受到时间、气候和人类的影响的。……自从２０世纪７０年代以来，最优秀的地方摄影并不只是希望观赏者去居住在摄影师描述的地方，而是要求观赏深入思考某一地方是怎样出现的，环境和社会压力怎样去改变它，人们又该怎样去利用它。……在拍摄一个地方时，我们不只是在拍摄大自然，我们始终在拍摄文化。”（The most pressing issue in the photography of place is a site’s history, how it has been affected by time, by climate and by mankind. Landscape photography has become political, not necessarily in terms of environmental causes…Since the 1970s, the best photography of place does not simply expect the viewer to inhabit the depicted space. It asks that the viewer think more deeply about how a place came into being, how environmental and social pressures may change it, and the way people use it.… In photographing place, we are never just photographing nature. We are always photographing culture.）（格里·巴杰，《摄影的精神》，浙江摄影出版社，2011，P154.Gerry Badger,The Genius of Photography:How Photography has Changed Our Lives,Quadrille Publishing Limited,2007,P161）刘立宏的《土地》系列完全经受得起从“文化”这个角度所给予的检验。

所有的努力都是为了发现新的可能性。从上述几个刘立宏的作品看，他其实一直在坚定地、明确地探索属于他自己的摄影主题、风格与语言。一切的变化服务于一个不变的目标，那就是寻找一个也许是根本性的、不变的东西，那就有关摄影与摄影家的个人日常如何结合的问题。他总是在坚定地却也是持续不断地挑战自己，他的每一个变化都非常显著，但又是那么确定，给人以谋定而动的强烈感觉。而且，每次探索的答案却又是多么地出乎意料而又有迹可寻。

鲲鲤国际影廊新展《土地》开幕

策展人：顾铮

摄影师：刘立宏

刘立宏的“土地”系列

皮皮（鲁迅美术学院教授）

土地和空气是我们赖以生存的根本。

我们跟它们一起生活得太久，习惯了它们的存在，忽视了它们的存在。

当空气缺乏时，我们才会意识到它们的存在；这句话用来比喻土地，十分恰当。

当我们用沥青不停地覆盖土地，用盖楼代替种庄稼时，当我们能买到粮食时，对我们来说，土地不缺乏……于是，一种可能性突显出来：当我们意识到土地缺乏时，也许就太晚了。

后现代诸多概念的核心，都与人类的不安全感关联着。农民变成工人，由土地走向工厂，由靠天吃饭到靠资本家靠保险吃饭……结果是安全感不仅没有增加反而减少了。一个正常的西方人，必须购买各种保险，医疗保险，失业保险，汽车保险等等，否则就无法维持正常的生活。简单地说，这一切，最根本的原因在于，人离开了土地，而这等于人离开了自然。

有个著名的瑞典籍的女歌剧演员，离开舞台后，回到瑞典农村的老家。对此，她的解释是，她妈妈告诉她，不要离土地太远，这样你就不会摔得太狠。

如果我们知道为我们提供保障的保险公司，靠投资股票市场的收益来维系公司的运作，安全感与幻觉还有本质的区别吗？邓小平当年预言下中国最早富起来的人群中，已经有人开始用纸币换一块儿属于自己的土地。土地上老天赏赐的玉米和土豆，比交易所的股票更可靠更实在。

……由此，进入后现代的精神领域，无论哲学文学还是艺术，荒诞是最具表现力的主题：黑色的无奈，非理性的行为，无法征服的绝望……常常都只停留在欣赏的层面，缺了反思。

刘立宏的“土地”系列，所展示的城市吞噬乡村，沥青吞噬土地的瞬间里，那些复杂的农民的表情，那些隐藏着的农民和土地的关系，除了让我感到某种程度的震惊外，也带给我一个反思的契机。

有些农民的表情是我曾经熟悉的，久违了。

有些农民的表情是我不熟悉的，他们对即将到来的城市生活的欣喜，令人担忧。城市很可能让他们失望，非常可能。他们对城市的向往与对劳作的恐惧有关。对劳作的恐惧也许遮盖了他们对土地的亲情和依赖。当他们意识到这一点时，他们与土地的告别将是永远的。

他们跟庄稼站在一起的泰然，一方面让我羡慕，与我们站在一起，作为背景的，只有水泥的森林了；另一方令人感伤：明年他们身后也不再有庄稼了，而且永远不再有。

刘立宏的镜头永远无法摆脱的恐怕也是这种感伤，其作品的张力也在于此。他的幸运在于，有时能把感伤的镜头对准悲壮的题材。这两者的融合，在我看来，成全了摄影者刘立宏，使他的作品躲开了当下的某些主流，比如概念的，比如装置的等等，无法轻佻。这沉重的担当首先考验着艺术家本人，看到刘立宏的镜头，从废弃的工厂转向被消灭的乡村，便可以知道，他无法放弃这种担当，哪怕自觉无力担当。这样的真实，把刘立宏镜头中的人物和景物，以更深刻的质感，推近我们。

当用思想包装照片，以怪异超现实的面貌追求创新效果时，刘立宏追求的真实和平实感动（跟煽情无关）了我们。任何令人感动的艺术创作，都不乏思想。如此表现出的思想将同作品一起获得更长的艺术生命。这也许便是摄影家刘立宏意识到的艺术的使命——一个完成需要相当代价的使命。

让一个具有新闻摄影背景的人来策划鲲鲤这个画廊展，似乎是危险的，但对于一个向来沉浸在新闻摄影“谎话”中的人来说，她恐怕更为清楚“真话”的珍贵，这两者之间的反差，甚至是讽刺，使得这个策展行为带有了另外一些意味。

上面这段话是想说明这样一个问题，你所看到的这个展览并非是一个正确的展览。策展人往往会用概念以及理念来定义展览，尤其是在当下这个大时代背景下，太多的转折和不确定，使得人们对预言充满了兴趣，但如果拿捏不当却反而生成更加大而空泛的疑问句。我发现自己对之并无兴趣和能力来把握。所以，这个展览没有主题。从人肉味儿的角度来看它，可能会更为合适，因为它呈现出的是我对一些问题的看法以及我个人的视角。

个人，更确切地说是“个体”是我在鲲鲤所征集到的作品里试图寻找的。对于我这样一个出生在七十年代的人，是否存在一种个体为上的生活？我能够望见，却又无法触碰。这种焦灼让我渴望看到以此为主题的探索。比如，廖逸君对约定俗成的男女关系的提问，杨文洁所记录的女性和她们的个人空间，以及连芷平发散着女性个体性别意识的作品。

到这里，你可能发现这个展览似乎具有太过强烈的女性视角，作为一个女性策展人，我无法回避这个问题。最近一段时间，我对自身存在的很多问题也颇为困惑，只是我没有摄影师那么大胆将之表露出来。

我希望这个展览带有更多的陈述意味。正如上面所提到的，在我们的生活中，已经充斥太多的疑问句。陈述句的稀缺，是因为它难以获取，每一句陈述背后都必须包含一个对已经存在的事实的观看——这又费劲儿，又危险。在这个展览里，身处军营的李宇宁旁观一群女兵的生活；周仰从英国的老年公寓开始，回到上海继续拍自己外公外婆的生活，朱骞呈现的是上海南市的世俗生活。他们的观看多少都带有一些好奇，但同时又有所收敛。他们的照片没有将被摄对象神秘化，边缘化，英雄化，这使得我能够从他们的照片中看到对事实的陈述。

摄影师的陈述是用他们的摄影行为来实现的——现在我们终于开始谈论摄影。我很庆幸，不必用艰涩的语言来阐释这个展览的作品，它们都颇为一目了然地存在着。我不知道这是否会让观者，尤其是专业观者感到失望？因为似乎有这样一种气氛，期待一些更大更为玄妙的让摄影成为艺术品的宣言。我可不想掉到论述摄影怎样才能成为艺术的泥沼里。20世纪初，直接摄影流派奠定了摄影语言在材质上的美感，从六十年代开始，摄影这一语言在表意时候似有似无，意义可以在其中任意穿梭，介入，这一柔性语言体系矛盾重重的特点被更多艺术家所关注，而自此以后，还没有什么振聋发聩的对摄影本体的探索。至于还能有什么，我想，还是留给更为聪明的人来做.在我看来，如何把世界装到一个小盒子里，什么是应该观看的，怎样观看，关于这些摄影的行为还有很多探讨的空间，尤其是当它们与摄影师独一无二的个体发生化学反应时，仍然能够生成不可替代的作品。审视这个展览的摄影师，照片可能只是他们作品的一个构成部分，这使得他们所做的事情不能被轻易复制。

若把作品从摄影师人的氛围中割裂，就那些单纯的图像而言，也许一切都可以复制，参加此次展览的唯一一个非摄影者王文静，她将本雅明的著作《机械复制时代的艺术》复制、切割，再压缩——最后的结果你在现场可以看到。

我将一个非摄影者引入这个摄影展览，因为我感到一切带有边界的东西都已经开始或者即将融化，这包括艺术的边界，摄影的边界，甚至也包括国与国的边界。而最为直接的结果就是，我们没有必要再对一些既定的潜在观者说话，而是要说自己想说的话。在这个展览里，没有特色鲜明的“中国风”，所有的作品都是彩色的——也许显得不是那么摄影，而这就是我对应该面对谁和做些什么的思考方式的反抗。

感谢鲲鲤给我提供了这样一个干净的白色空间，在摄影师的选择，甚至是作品的装裱问题上，都没有做任何干涉。在我们当下这个看似自由，却处处又都隐含着规范和限定的现代社会中，这几面白墙的存在实属难得。

任悦

视觉传播博士，纽约大学访问学者，美国尤金·史密基金会新闻摄影助研奖获得者，翻译和出版多部著作，为国内多个摄影媒体撰写文章和评论。个人博客“1416教室”是中国年轻摄影师获取摄影资讯，交换摄影观点的平台，通过主持camp摄影观片会，创办ofpix摄影发展基金，致力于中国摄影教育工作的推动。

2011年“下一站•鲲鲤”年轻摄影师群展即将开始。“下一站•鲲鲤”是上海鲲鲤国际影廊一年一度的活动，旨在发掘中国摄影界的未来之光。主要针对中国的年轻摄影艺术家，为他们创作的优秀作品，提供安放之地。试图帮助在数字时代化语境中成长的新一代摄影师，体验摄影的“魂魄”和物理实体相结合之美，拉近展览的概念和中国青年摄影师之间的距离。

2011年“下一站·鲲鲤”活动，鲲鲤国际影廊荣幸邀请到了摄影教育学者任悦担任策展人。整个征稿过程，持续了近半年的时间，此间，鲲鲤陆续收到了大量的来稿。画廊将于3月2 7日展出从中脱颖而出的7位年轻摄影艺术家的作品。

策展人：任悦

参展艺术家：廖逸君、连芷平、李宇宁、王文静、杨文洁、周仰、朱骞

开幕酒会：2011年3月27日 (周日)15:00

展览时间：2011年3月27日-5月26日

地点：上海市静安区乌鲁木齐北路210号

电话：（8621）6249 0737

瑞士籍著名时尚摄影师Michel Comte (米高·孔泰)在时尚界已经30年，是当代全球四大最富盛名的摄影师之一。他被世人誉为“一个在视觉与心灵间行走的智者，一个以美的名义创造美的真实的人”。

他的作品常在Vogue, Vanity Fair, Interview, GQ等出现，与他合作的品牌包括Armani、Lancome 、Dolce & Gabbana、Ferrari、Jaguar等，拍摄的对象则是全球知名的影星、超模等，他为Carla Bruni、Naomi Campbell、Cindy Crawford、Jeremy Irons、Gisele Bundchen、 Demi Moore及Mike Tyson所拍摄的人物肖像受到广泛好评。同时，Michel Comte为国际红十字联合会所做的影像报告为他赢得更多的尊敬和关注。

1954年出生于苏黎世的Michel Comte，早年受训为一位绘画修复师，直至1979年他的人生有了重大改变，那年他受雇为时尚品牌Chloe拍摄平面广告，Karl Lagerfeld正是当时Chloe的创意总监。Michel Comte从未上过正规摄影课程，完全依赖自身天资和实践磨练。1981年，他搬至纽约，很快就找到自己的位置，成为美国的商业广告领域最具才华、最炙手可热的摄影师。在过去的5年间，Michel Comte的作品流转于各大博物馆和画廊，成为他们的主要展出对象。2009年8月1日，比利时布鲁塞尔的Young Gallery为庆祝Michel Comte从业30年举办回顾作品展。该展包含了他多幅最佳摄影作品：1992年为《L’Uomo Vogue》拍摄的祷告中的Jeff Koons； 同年《w》刊载了Yves Saint Laurent抱着狗狗出现在门边的俏皮照片；1993年为意大利《Vogue》拍摄的裸体的Helena Christensen等等。

2008年4月，在纽约佳士得拍卖行，Michel Comte为法国第一夫人、前超模Carla Bruni所拍摄的裸体肖像作品，以9.1万美金的高价为某中国神秘买家收购。而本次“Fame”摄影展也将展出包括这幅作品在内的30幅名人肖像。