时间：2012年5月3日至6日

地点：上海

讲师：

Lesley Martin （国际著名的摄影机构光圈的出版人，现居纽约）

任悦（中国人民大学新闻学院副教授，纽约大学访问学者，传播学博士，现居北京）

沈玮（旅美摄影师，现居纽约）

主办：鲲鲤国际影廊 kunst.licht Photo Art Gallery

协办：ofpix工作室

是否可以用摄影来写作，写一个故事，一种情绪；三位摄影人，两家摄影机构，将在今年五月联手推出一个特别的摄影工作坊——一本摄影书工作坊。工作坊的目标是帮助摄影师审视自己作品的完整性，深挖其作为一部个人作品集\一本书的可能，并将重点放在摄影书的独立出版这个国际流行的话题上。

如何用光来书写？摄影这种柔性的语言形态，其特有的语法逻辑，对大多数人而言，依然非常陌生。由鲲鲤国际影廊和ofpix工作室联合举办的这个工作坊，邀请Lesley Martin、沈玮和任悦三位讲师，分别基于出版人、摄影师和策展人三个视角，和学员就每个人的作品展开研讨，在四天的时间里，大家一同感受用摄影的方式进行书写的魅力。

『工作坊授课目标』

此次工作坊将作品点评（portfolio review）和摄影书图书编辑(photo book workshop)融合在一起。就是说，每位学员不仅能够得到有针对性的作品点评，还能在工作坊期间重新编辑梳理照片，形成一本书的雏形。

『工作坊讲师』

国际著名的摄影机构光圈的出版人Lesley Martin女士将首次来中国主持工作坊。Lesley Martin负责整个光圈的摄影书出版，并参与光圈的摄影书点评活动，能够和她获得面对面交流的机会，展示自己的作品，对中国摄影师来说，是个极为难得的机会。摄影师沈玮的作品已在美国获得广泛的展出和出版，他的成长经历定会与学员产生深切的共鸣；任悦以其活跃的思路主持多个摄影项目、工作坊以及影展的策划，她也会给学员以充分的指导。

工作坊将在上海鲲鲤国际影廊举办，鲲鲤一直致力于助推青年艺术家的创作，通过每年一度的“下一站·鲲鲤”活动（nextkunst.licht）为摄影新秀搭建展览平台；Ofpix摄影工作室则在国内率先举办摄影书工作坊，创建ofpix基金，他们都将会为工作坊提供学术支持，分享自己的资源。

『工作坊授课对象』

对于已有一部个人作品，却不知如何让自己零散的照片构成篇章的摄影人，对于迫切需要找到自己的声音，寻找作品的出口，尤其是对摄影书这个媒介感兴趣的摄影师，这将是一个不容错过的工作坊。

『工作坊授课方式』

为保证每位学员都能够和导师得到充分的交流，工作坊只招收10名学员。在四天的时间内，分别在每天上午安排一场讲师讲座，晚上安排主题研讨沙龙，在下午的时间里展开作品点评活动，另外还会辅导学员对自己作品按照一本书的样态展开图片编辑。（具体授课计划见后）

工作坊将强调现场互动，包括学员与导师的沟通，学员之间的交流，希望藉此头脑风暴激发更多想法。

Lesley Martin会从纽约给学员带来学习材料，此外，她将从巴黎的摄影书摄影节结束之后飞抵北京，会带来国际最新的摄影书资讯。

工作坊还将为学员提供学习讲义。

『工作坊学员招募』

工作坊招收学员10人，申请截止时间是4月10日。请将以下资料发送到我们的邮箱 worshop@kunstlicht.sh

1.个人简历

2.个人作品集＋作品阐释（20张照片，长边1200像素）

注：摄影师如果有个人网站也可以直接将网址发给我们。如果有任何问题也可以写邮件到以上地址。

『工作坊收费』

每人5000元，学员的食宿和交通需要自理。

工作坊讲师简历

Lesley Martin

光圈基金会图书项目的出版人，光圈摄影书评点项目的负责人，她已经编辑出版了几十本摄影书，和多位摄影师合作，其中包括 Vik Muniz、Alex Webb、 Rinko Kawauchi等知名艺术家。她还在国际多个摄影见面会担任专家，以及在纽约摄影节等摄影节担任策展人。

沈玮

出生成长在上海，现居住在纽约市，从事艺术摄影。

沈玮的作品得到广泛展出，包括纽约市立博物馆，Griffin摄影博物馆，纽约林肯中心，哈恩美术馆，澳大利亚摄影中心，波士顿艺术学院，以及 Katzen艺术中心等。他的作品同时也刊登和评论于众多出版物，如《美国摄影》(American Photo)，《中国摄影》，《光圈》(Aperture)，《纽约客》(The New Yorker)，《摄影界新闻杂志》(PDN)，《青年视觉》以及《生活月刊》等。

沈玮的作品已经被收入许多机构和私人收藏，其中包括盖蒂博物馆 (J. Paul Getty Museum)，美国当代摄影博物馆，美国国会图书馆，St. Petersburg艺术博物馆，佛罗里达州摄影博物馆，美国华人博物馆，洛克菲勒兄弟基金会(Rochefeller Brothers Fund)以及金塞研究所(Kinsey Institute)等。

2009－2010年沈玮参予光圈基金会的Green Cart项目。

沈玮曾获得洛克菲勒基金会Bellagio中心访问艺术家奖，2007年Griffin摄影博物馆大奖，2008年纽约城市艺术家倡议奖 (UAI/NYC)，2008年中国平遥国际摄影节评委推荐奖，2007年及2008年纽约文化部和曼哈顿下城文化协会的曼哈顿社区艺术基金奖(LMCC /MCAF)。2007年沈玮被《美国摄影》杂志评为全球年度15佳新锐艺术家之一，2008年则入选《PDN/美国摄影界新闻》“摄影新晋势力30 强”。

在上海轻工业高等专科学校包装装潢专业毕业之后，沈玮先后在明尼阿珀波斯艺术与设计学院和纽约视觉艺术学院学习摄影并获取纯艺术摄影和影像类硕士学位。

任悦

中国人民大学新闻学院副教授，纽约大学访问学者，传播学博士。她是美国尤金史密斯Howard Chapnick基金获得者。

任悦曾在平遥摄影节和上海鲲鲤画廊策展览，为国内多家媒体撰写摄影评论。她的个人博客“1416教室”已经连续撰写五年，基于博客展开的作品放映会和工作坊活动成为年轻摄影师交流和提高职业素养的平台。

鲲鲤国际影廊

中德两地的专业人士在多年的影像艺术品收藏 过程中，萌生了构建一个卓越的平台，促进中外影像艺术间交流的想法。经过长时间的酝酿，2008年初，鲲鲤国际影廊诞生在上海。“鲲鲤”是德语单词kunst和licht的音译，分别指“艺术”和“光”。成立至今，鲲鲤影 廊本着成为中外藏家收藏当代影像艺术第一站的愿景，精心挑选并不断推出以摄影为媒介进行创作的各国艺术家的经典作品。

ofpix工作室

一个致力于帮助青年摄影师走职业化道路，实现自己职业理想的工作室。由任悦和詹膑发起。通过举办多种类型的工作坊和Photocamp照片放映会(已举办十七次)来促进年轻摄影师之间的交流和职业发展。Ofpix还设立小额基金，资助摄影师的社会纪实摄影项目。

工作坊授课计划：

一，讲座主题

1. Lesley Martin ：《摄影书的核心》(What Makes a Book Work?)

如何将自己的摄影项目转译成摄影书，其中的方法和策略，此外她还将介绍国际摄影书出版的现状和发展潮流。

2.  沈玮：《长期系列的创作和延伸》(Long-term Project and Beyond)

从题材、扩展、调整、编辑，以及推广等各个方面来了解如何把握一部长期系列的创作。

3. 任悦：《受众、语境与作品》

摄影师如何编辑自己的作品，考虑不同的传播介质，面对不同的受众。

二，沙龙讨论主题

1. 《关于一本书你想知道的》 针对沈玮的摄影书《中国情节》展开研讨

Lesley Martin是沈玮的个人作品集《中国情节》的编辑，这使得我们得以近距离了解一本书背后的故事：从为一本书而拍摄，到这本书从图片选择到编排，选纸，印刷，装帧，出版，推广，这个一点点的打磨的过程，一本书如何从一个粗糙的胚子到成型的呢？学员将一同围观一本书诞生的过程。

（《中国情节》 序言由作家Peter Hessler撰写，出版人是Richard Renaldi 此书被PDN列入了2011年度最佳艺术类图书的榜单。 ）

2. 《从墙面到纸面》

针对摄影作品的墙面展览以及在纸面呈现的不同展示方法，探讨摄影从墙面到纸面在不同介质上的传播特点。

三，授课时间安排和进度

时间；5月3日－5月6日

目标：帮助学员找到自己作品作为一本书的雏形。

第一天：上午 讲座  10：00——11:30

下午： 学员作品点评（对现阶段拍摄成果的评估） 2:00——5:00

晚宴： 学员与老师共进晚餐

第二天  上午 讲座 10：00——11:30

下午：学员作品编辑（作品打印成小样，重新进行编排，逐个展开工作，5个人 ）2:00——5:00

晚：讨论 《关于一本书你想知道的》

第三天  上午 讲座  10：00——11:30

下午：学员作品编辑（ 作品打印成小样，重新进行编排，逐个展开工作，5个人）2:00——5:00

晚：讨论 《从墙面到纸面》

第四天上午：讲座 10:00——11:30

下午：个人摄影书雏形的完成，将完成以下任务

1. 确定这一本书的主题
2. 确定这一本书的入选作品
3. 确定这一本书的作品顺序编排

晚：最终作品评估

连芷平

——女，生于福建，现工作、生活在厦门和德国柏林。

——Lian Zhiping, born in Fujian, Lives and works since 2008 in China and Berlin, Germany.

《搁浅之地》

犹在镜中

空山

藏

另一间屋子

搁浅之地

陨

渊

柩

入夜

蜕

创作阐述：

2009年，我在旧货市场上买到6只破旧的女人偶，在接下去的两年间为其创作了《搁浅之地》系列。这些人偶带有空洞的眼神、迷惘的欢愉，程式化的五官里饱含着生动的冷漠，或是洞见事故的讥讽，破旧的身躯似乎蕴含着超能量，并存着人性、神性与巫性……我像一个编剧，为她们量身构建故事情节，然后像一个导演，以静态的摄影形式拍摄下这一切。

这些情节的生成源自个人经验：我的出身、经历，我与社会的互动与交涉、我对性别以及世界的理解。这一切看似从“我”出发，而最终它们都离弃了个人的“我”，成为了“我们”——既是“我”，又是“她者”。

我的创作方式是向内的，在一次次的审视与自审中，我反复试图对“我们自己”做出判决，试图建立一种真诚的关怀和见证，我不希望人们将这种情感当做“自怜”，也反对它变成某种道德优势。

此外，我在摄影创作中一直努力实验，希望在对我们的现实命运有所承担的同时，能兼顾摄影的精神与技艺的尺度。

毛宇

男，1980年  生于 黑龙江

2006年  毕业于西安美术学院，目前生活于西安。

个展

2008年  “人类之树”红寨画廊，上海

群展

2008年  “Eclectic People”加州摄影博物馆，美国

2007年   第三届中日友好交流展

2005年   “第六届”陕西版画展， 陕西

《人类之树》

生命之不惑

生命之仗潮

生命之

生命之天命

生命之古稀

创作阐述

“人类之树”系列，是毛宇在西安郊外的农村铺排并拍摄完成的。十一幅画面如中国古代贤儒描述的分别对应于人类在身体、心理和精神发展的不同阶段。毛宇的哲学来自于道教和佛教教义的启发。精心布局的画面同时反映了道教“天地合一”的概念和佛教的轮回。艺术家本人与他的树同时成了这首人类与宇宙之歌的主角。人与树一起立在天地之间，并戏剧性地运用了红线，提供了一种视觉上的延续性。红色代表了普遍的文化内涵，在中国，红色也是“本命年”的象征。

这一系列的作品是在时空交叉点上，由联系人类和宇宙的一根松散的红色丝带开始，结束于红布包裹着的胎儿。这个系列的核心作品是一颗柿子树，选择柿子树是因为从形态上来看它和佛教里的菩提树很相像，树上面垂挂着多个用红布包裹着的生命之茧，毛宇裸体躺在树的脚下，身体和灵魂与自然合而为一。让人不禁想起中国的一个成语：落叶归根。在另一幅作品中，人与树互为结婚的对象，掩藏在新娘的婚裙之下的正是表现了人类与自然施虐与受虐关系的工具。在他的几幅作品中，都出现了一把红色的扶手沙发，象征着人类充满了改变自然的欲望。在一堆粪便之上，历史被诙谐的视像改写了。在另一幅作品中，毛宇像一个被宰杀的动物一样垂悬在一个典型的农户家的大门外，苦涩而幽默的是，旁边的墙上写了几个大字：幸福一生。

毛宇的诉求绝不是空空的大都市里的霓虹，二十人类精神的精华与核心，以及人与自然的关系。他所关心的是追求城市化繁华的人类正在远离其本质真正的需求，而人越远离其本质，就必然越不可避免的遭遇混乱的心理焦虑：疏离感、幻灭感，以及生存感的消失。这时候，人也许只有通过更好地了解自我和自我所处的环境，才能为自己设计并创造快乐的人生。

将近而立之年的毛宇以古城西安为家，以及自己油画、版画和行为艺术的创作基地。“人类之树”是他第一个行为艺术摄影系列，能够成熟的表达他的过去和现阶段的艺术创作，也是其未来的艺术飞跃的一个起点。

主题：从摄影记者转型为商业摄影师

——台湾摄影师Mark分享业界生态

演讲者：简瑞宏 Mark（台湾）

时间：2011年11月19日（周六）15:00

地点：上海市静安区乌鲁木齐北路210号

主办：鲲鲤国际影廊（kunst.licht Photo Art Gallery）

性质：免费

电话：+86 21 62490737

邮箱：info@kunstlicht.sh

网站：www.kunstlicht.sh

也许，你正想从一个报纸的摄影记者、一个杂志的图片编辑，转型成一位商业摄影师。也许，你正经历的，他已经历过。

台湾摄影师简瑞宏（Mark Chien），是少数从新闻摄影领域跨足商业摄影领域的成功者之一。

从新闻摄影到商业摄影，Mark经历了从对自己过去的完全破坏，到重建的过程。

在商业摄影和新闻摄影的不同生态竞争环境中，Mark都亲身经历过。无论是做同时掌握灯光以及电脑后制修片的商业摄影师，还是做新闻记者，Mark都有着自己的经历和感悟。

如何在职业生涯中降低可取代性，以及从摄影记者转型到商业摄影师的过程中的种种体悟，Mark将在鲲鲤国际影廊与大家分享。

大学时期，Mark就已经开始了报道摄影的生涯。可能是由于念新闻学的专业使命感，学生时代的他就对台湾西门町被拆迁的历史老街“剥皮寮老街”进行了纪实拍摄。这组片子，不仅刊登于新加坡的《摄影人》杂志，还接受了台湾电视台摄影档案节目的专访。

擅长于在照片中叙述故事，在台湾发行量第一的报纸做摄影记者的多年经历，经历过各种不同路线的新闻题材，从灾难新闻到娱乐新闻，都是他在不同媒体所专注的领域。

在成为资深摄影记者之时，Mark没有选择已经稳定的职业生涯。2005年，Mark赴美国攻读摄影硕士学位。在旧金山艺术大学，Mark开拓了新的视野，锻炼自己从企划题目到摄影执行以及电脑后期修片的能力，成为能够同时掌握灯光以及电脑后制修片的商业摄影师。

在美国期间，Mark以超现实主义的摄影风格分别在2007年入选Epson全美专业摄影比赛的决赛，2008年得到在美国迈阿密主办的Myshot全美摄影比赛的人物类佳作。

返回亚州之后,Mark先后在台北海洋技术学院以及上海复旦大学兼任摄影教学工作,也持续在商业摄影的领域累积作品,也先后为飞利浦、雅芳、通用汽车、Kappa、美津浓等知名品牌拍摄平面广告，并且与《世界都市ILOOK》、《新视线》、《费加罗FIGARO》等等的时尚杂志合作时尚大片。

简瑞宏

1978年出生于台湾省台北市

2000年中国文化大学新闻系毕业

1998-2005年陆续担任china post,民众日报,台湾壹周刊,台湾苹果日报摄影记者

2005年8月出版个人摄影记者生涯传记“ 快门密码”

2005-2009年赴美国旧金山艺术大学攻读摄影硕士以及从事自由摄影师工作.

2007年Epson全美专业摄影新锐比赛决赛入围

2008年获My shot迈阿密全美专业摄影比赛佳作

2009年一月返台担任台北海洋技术学院多媒体与游戏发展科学系摄影讲师

2009年九月赴上海发展

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主题：谈长时期纪实摄影与获奖

演讲者：David Høgsholt （丹麦纪实摄影师）

时间：2011年11月5日（周六）15:00

地点：上海市静安区乌鲁木齐北路210号

主办：鲲鲤国际影廊（kunst.licht Photo Art Gallery）

性质：免费

演讲者简介：

David Høgsholt，丹麦纪实摄影师，将镜头对准世界上的社会问题，而展开长期纪实摄影项目。

1997年，David因缘际会开始了摄影。当时，他正参加一个朋友的婚礼，他清楚地记得那天早上五点，新郎的纪实摄影师朋友给他提了一个建议，说他可以试试拍照片。之后，他就开始做摄影师助理。2000年，他进入丹麦的一个专业摄影学校Fatamorgana，开始对摄影进行系统的学习。一年之后，他进入了丹麦新闻学院。

在丹麦的一家日报Berlingske Tidende实习锻炼之后，他成了丹麦另一家报纸Ekstra Bladet的正式摄影记者。 他在曼谷、上海日常的新闻故事。

David的长期纪实摄影项目，获得过两次World Press Photo（荷赛）大奖。

David的第一次被承认是在2004年，他的一个摄影项目“米亚·”，获得了Ian Parry Scholarship摄影奖学金，这个长期项目，是关于一个生活在哥本哈根的女人米亚，她是一个吸毒者，同时，也是一个妓女。接下来，这个项目获得了荷赛的两个大奖。也获得过四项全球年度图片奖(POYi)，新闻摄影领域最著名以及历史最悠久的奖项之一。同时，他还获得过四项年度报道摄影师奖（BOP/NPPA），美国最重要的新闻摄影奖项之一。

David的作品时常登上《新闻周刊》、《时代杂志》、《巴黎竞报》、《世界报》、《解放报》、《Colors》、《Sunday Times Magazine》、《纽约客》等。

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『再会•宝丽莱』杨弘迅个展

——由“The Impossible Project”支持

开幕时间：2011年8月27日（周六），15：00

展览時间：2011年8月27日-2011年10月27日（周二休馆）
展览机构：鲲鲤国际影廊 kunst.licht Photo Art Gallery

策展人：爱米

地址：上海市静安区乌鲁木齐北路210号

联系方式：8621-62490737   info@kunstlicht.sh

青年摄影师杨弘迅近年的创作多以宝丽莱为载体。2010年，他在北京、广州、珠海三地的个展巡回展“再会•宝丽莱”，展出了他近五年来创作的十几组宝丽莱原片，从日常静物、动物标本、黑白城市到公众人物及朋友的肖像。

“再会•宝丽莱”杨弘迅个展与当今摄影界的潮流完全相反。它不以巨幅为美，不强调视觉冲击力，没有Photoshop后期制作，它用数百张宝丽莱原片，组成史上最细小的展览。此次在上海鲲鲤国际影廊的“再会•宝丽莱”个展，其部分作品得到了全球即时摄影项目The Impossible Project倾力支持。展览将展出杨弘迅用The Impossible Project相纸进行的一系列新创作，开幕当晚还将举行“非数字即时摄影”分享会。

内心的风景

杨弘迅的宝丽莱作品并不如他同时代的其他年轻摄影师那样张扬，他反倒在和身体里的那股年轻力量在对抗，企图用一种密不透风的方式把那些力量包裹起来，使得作品不那么直接，甚至有些过于含蓄和封闭。他着迷于那些看似琐碎的日常甚至有些近乎无聊的东西——屋子里发芽的土豆、几根电线、花朵上停驻的苍蝇、厨房里一堆瓶瓶罐罐，这些再寻常不过的物品或情景，在他的相片里新生，成就了内心的风景。

由于年龄与经历的关系，他在与外部世界的接触中却还是在较劲。他镜头中的那些城市风景没有刻意的喧哗与血泪，却往往带着搏斗的痕迹。这不是非黑即白的世界。楼道里被丢弃的娃娃公仔、博物馆里标本动物的头颅、街头交错的电线杆，事物的面貌有了很多新的意义。他的照片里，没有A胜B输。

宝丽莱作为最初纪念照、家庭照的功用体现在他持续不断拍摄的一系列公众人物照和朋友照，在他的拍摄名单中包括艾未未、陈丹青、蔡国强、贾樟柯等。问他为什么拍这些人物照，他的回答很无厘头，“既然拍了这么多了，就拍下去。”摄影在这个时候又回复到它最朴素的功能上，“留影存念”。（文：爱米）

secret

Shanghai

tree shadow

蔡国强

陈丹青

杨弘迅 BIOGRAPHY：

青年摄影师

1983年生于广州，现生活工作于北京。作品发表于《生活》、《城市画报》、《Theme》、《TIMEOUT》、《心理月刊》等多家媒体。

Web：www.yanghongxun.com

部分展览：

2007年，担任《深圳声音》别册的摄影师，参加深圳·香港城市/建筑双城双年展。

2008年，特约静物摄影，展出于无印良品MUJI中国展北京站“无印的中国天空”，798艺术区706大厂房。

2010年8月，受《心理月刊》杂志之邀，参与“内心生态”摄影联展。

2010年9月，参加2010大声展特别项目“TOO SHOT!2010 时装 X 摄影”展。

2010年9月，在北京钱粮美树馆，举办了『再会•宝丽莱』杨弘迅摄影个展。

2010年12月，在广州Concept 225，举行『再会•宝丽莱』杨弘迅摄影个展 广州站。

2010年4月，在珠海时代美术馆，举行『再会•宝丽莱』杨弘迅摄影个展。

出版：

2010年12月，与Concept 225 Goelia合作发行 杨弘迅《柒右贰分之壹》宝丽莱画册。

编年史：

1948年，美国着名的即时成像相机品牌——宝丽莱（Polaroid），推出世界上第一个即时成像相机Polaroid 95。

1972年，宝丽莱推出SX-70袖珍型即时成像相机，风靡世界。

2001年，宝丽莱公司宣告破产。

2006年，我开始拍宝丽莱。

2006年底，连州摄影展期间，摄影师曾翰说我拍的宝丽莱有些特别的东西。

战地摄影师Philip Blenkinsop鼓励刚拍宝丽莱不久的我，希望我坚持拍下去。

2007年，我父亲对于我的宝丽莱创作的评价是：“不能持续，没市场”。

2007年底，我从广州调到北京工作。开始尝试更多的宝丽莱相机和相纸。

2008年，Andy Warhol私人摄影师Christopher makos来了北京，我给他拍了宝丽莱。他和Andy Warhol的宝丽莱作品也给了我持续拍摄的动力。

2008年，艺术评论家及策展人方振宁看到我的宝丽莱作品，他鼓励我做一个宝丽莱摄影展。当时正值宝丽莱公司宣布全线停产相纸。

2009年，购入《塔可夫斯基拍立得摄影集》，从塔可夫斯基的作品里，我感受到日常生活的力量。

2010年初至今，The Impossible Project发布了几款新型的宝丽莱相纸。

2010年，我购入摄影师Robert Frank的宝丽莱作品集《Seven Stories》，他的作品带给我很多启发。

2010年，我的首个个展巡展“再会•宝丽莱”及第一本宝丽莱画册《柒右贰分之壹》诞生。

现代生活的魅力在于日常中的琐碎所展现的细微而又丰富的生活细节。而为了展现现实的、也是生活的复杂细节，刘立宏带着照相机、还有那支被他运用得出神入化的闪光灯，从白天走向黑夜。他以娴熟的闪光灯技巧，采取了向隐退、沉没于黑暗中的事物投射强光的特殊表现手法，来呈现因为强光的刹那到访所造成的周围环境与事物的陌生感。在他人手中，闪光灯一般只是作为一种解决光线不足而采取的技术性辅助手段，但刘立宏却把它作为一种摄影语言加以积极的开发与运用。

这种向远处的无边深邃打出闪光的拍摄方法，就像是在向无边黑暗投射一颗照明弹。虽然不是永远却也暂时性地驱逐了黑暗，并且也因此点亮了某种希望，当然同时也给出了现实的另外一副面孔。不过，他的“投掷”光线的目的，并不仅仅只是为了驱逐黑暗，快意于瞬息之间由闪光所带来的一片明亮甚至些微的暖意。他是以向无边黑暗传送瞬间光明的办法，做出了传唤事物到场、拯救事物于黑暗之中并且将其永恒定格于透明底片之中的努力。以这样的独特语言与特殊手法，刘立宏重新塑造了事物的轮廓，确定了它们的身份，令众多事物在黑暗中脱颖而出，甚至获得本来无法在白昼拥有的意义与价值。因此，他是一个事物生命的赋予者。他用光赋予生命的光彩，在闪光的瞬间升华事物，令它们获得重视。他的闪光灯光在抵达事物的刹那，既改变了所要照亮的事物与背景的关系，也重建了摄影者与现实的关系。当然，这同时也彻底改变了我们对于现实的感受。刘立宏用向生活，哪怕是已经进入了黑暗的生活，投射强光、强行介入的办法、让平庸生辉，使日常闪光，更令现实生活借机展现其不为人知的妩媚。而这种迥异于白昼的妩媚，如果没有他那支如同阿拉丁神灯式的闪光灯的眷顾，是没有可能让我们体验到的。

而刘立宏的《土地》系列，是一部拍摄于２０１０年的纪实力作。当然，“纪实”两字是否涵盖了这部作品的全部，其实大可讨论。在此也只是一种暂时的确认。他照片中的这片土地，本是典型的东北农田。这样的农田，其土壤肥沃丰饶自不待言。他的照片在丰富的色彩和细密的描写，向我们展现出夏日里农作物的蓬勃长势与秋天丰收的喜人形势。但因为他所在学校的搬迁，他所拍摄的这片土地就要被、而且现在已经被坚硬的水泥所覆盖。原来，《土地》所关注的、拍摄的、展示的，其实就是一片普通的东北农地，如何逐渐地被现代化、城市化的理想、欲望与想象所消灭、如何从一片富于生产性的土地演变为冰冷的水泥地的过程。他不动声色地精细地具体呈现了一种发生在他的生活中、与他直接有关的在地（local ）的变迁，一种“自然”在人的欲望与意志之下，如何向一种“文化”的变迁，而且从某种意义上说又是一种自私而又粗暴的变迁。

《土地》所呈现的，既是一个“自然”被“文化”所“改造”的过程，也是一个富于生产性的土地由“软”变“硬”、由生产到不产的过程。这个过程同时就涉及到中国农民如何以土地为生，最终如何如何离土的过程。因此，这个过程也是一个农民们如何从土地的主人变成为土地的客人的过程。这一切的变化的更大背景就是当代中国的社会剧变。而这种变动，都是在刘立宏的细腻饱满的描写与刻划中、在刘立宏的精密审视下获得丰盈的呈现。其实，这组作品虽然充满了一种新画意的外表，张张画面都经受得起细细的品评，但实际上，却与当下社会变动中，中国农村中的农村如何消失、农民如何离农，农业如何衰败等严峻现实环环相接。

从观看方式看，他既保持了一定的审视距离，但却又通过饱满的色彩表现体现出了一种急切的现实关注。他将日常的诗意与对日常的哀悼同时记录了下来。这既是个人化的记录，也是一种个人化的抒情。在这里，记录与抒情的边界在哪里其实无从说起。在这个《土地》系列中，随着季节的变换，土地与农作物的色彩逐渐由生机盎然的绿色向奔放的金黄色转变，然后再由丰盈而渐渐走向枯竭。他的照相机所记录下来的农作物的枝枝叶叶，似油画笔触在画面中交叉掩映，腾挪闪藏，煞是好看。他的《土地》饱含充满沧桑感的生命痕迹，也以复杂丰富的肌理从视觉上展现中国东北地方的地理与自然特色，所谓“在地性”（locality）是也。当然，更重要的是，躲藏在这背后的正在发生的社会变化。诚如英国摄影评论家格里·巴杰（Gerry Badger）所说：“地方摄影中最迫切的问题是该地的历史、它是怎样受到时间、气候和人类的影响的。……自从２０世纪７０年代以来，最优秀的地方摄影并不只是希望观赏者去居住在摄影师描述的地方，而是要求观赏深入思考某一地方是怎样出现的，环境和社会压力怎样去改变它，人们又该怎样去利用它。……在拍摄一个地方时，我们不只是在拍摄大自然，我们始终在拍摄文化。”（The most pressing issue in the photography of place is a site’s history, how it has been affected by time, by climate and by mankind. Landscape photography has become political, not necessarily in terms of environmental causes…Since the 1970s, the best photography of place does not simply expect the viewer to inhabit the depicted space. It asks that the viewer think more deeply about how a place came into being, how environmental and social pressures may change it, and the way people use it.… In photographing place, we are never just photographing nature. We are always photographing culture.）（格里·巴杰，《摄影的精神》，浙江摄影出版社，2011，P154.Gerry Badger,The Genius of Photography:How Photography has Changed Our Lives,Quadrille Publishing Limited,2007,P161）刘立宏的《土地》系列完全经受得起从“文化”这个角度所给予的检验。

所有的努力都是为了发现新的可能性。从上述几个刘立宏的作品看，他其实一直在坚定地、明确地探索属于他自己的摄影主题、风格与语言。一切的变化服务于一个不变的目标，那就是寻找一个也许是根本性的、不变的东西，那就有关摄影与摄影家的个人日常如何结合的问题。他总是在坚定地却也是持续不断地挑战自己，他的每一个变化都非常显著，但又是那么确定，给人以谋定而动的强烈感觉。而且，每次探索的答案却又是多么地出乎意料而又有迹可寻。

策展人：顾铮

摄影师：刘立宏

刘立宏的“土地”系列

皮皮（鲁迅美术学院教授）

土地和空气是我们赖以生存的根本。

我们跟它们一起生活得太久，习惯了它们的存在，忽视了它们的存在。

当空气缺乏时，我们才会意识到它们的存在；这句话用来比喻土地，十分恰当。

当我们用沥青不停地覆盖土地，用盖楼代替种庄稼时，当我们能买到粮食时，对我们来说，土地不缺乏……于是，一种可能性突显出来：当我们意识到土地缺乏时，也许就太晚了。

后现代诸多概念的核心，都与人类的不安全感关联着。农民变成工人，由土地走向工厂，由靠天吃饭到靠资本家靠保险吃饭……结果是安全感不仅没有增加反而减少了。一个正常的西方人，必须购买各种保险，医疗保险，失业保险，汽车保险等等，否则就无法维持正常的生活。简单地说，这一切，最根本的原因在于，人离开了土地，而这等于人离开了自然。

有个著名的瑞典籍的女歌剧演员，离开舞台后，回到瑞典农村的老家。对此，她的解释是，她妈妈告诉她，不要离土地太远，这样你就不会摔得太狠。

如果我们知道为我们提供保障的保险公司，靠投资股票市场的收益来维系公司的运作，安全感与幻觉还有本质的区别吗？邓小平当年预言下中国最早富起来的人群中，已经有人开始用纸币换一块儿属于自己的土地。土地上老天赏赐的玉米和土豆，比交易所的股票更可靠更实在。

……由此，进入后现代的精神领域，无论哲学文学还是艺术，荒诞是最具表现力的主题：黑色的无奈，非理性的行为，无法征服的绝望……常常都只停留在欣赏的层面，缺了反思。

刘立宏的“土地”系列，所展示的城市吞噬乡村，沥青吞噬土地的瞬间里，那些复杂的农民的表情，那些隐藏着的农民和土地的关系，除了让我感到某种程度的震惊外，也带给我一个反思的契机。

有些农民的表情是我曾经熟悉的，久违了。

有些农民的表情是我不熟悉的，他们对即将到来的城市生活的欣喜，令人担忧。城市很可能让他们失望，非常可能。他们对城市的向往与对劳作的恐惧有关。对劳作的恐惧也许遮盖了他们对土地的亲情和依赖。当他们意识到这一点时，他们与土地的告别将是永远的。

他们跟庄稼站在一起的泰然，一方面让我羡慕，与我们站在一起，作为背景的，只有水泥的森林了；另一方令人感伤：明年他们身后也不再有庄稼了，而且永远不再有。

刘立宏的镜头永远无法摆脱的恐怕也是这种感伤，其作品的张力也在于此。他的幸运在于，有时能把感伤的镜头对准悲壮的题材。这两者的融合，在我看来，成全了摄影者刘立宏，使他的作品躲开了当下的某些主流，比如概念的，比如装置的等等，无法轻佻。这沉重的担当首先考验着艺术家本人，看到刘立宏的镜头，从废弃的工厂转向被消灭的乡村，便可以知道，他无法放弃这种担当，哪怕自觉无力担当。这样的真实，把刘立宏镜头中的人物和景物，以更深刻的质感，推近我们。

当用思想包装照片，以怪异超现实的面貌追求创新效果时，刘立宏追求的真实和平实感动（跟煽情无关）了我们。任何令人感动的艺术创作，都不乏思想。如此表现出的思想将同作品一起获得更长的艺术生命。这也许便是摄影家刘立宏意识到的艺术的使命——一个完成需要相当代价的使命。

可到鲲鲤国际影廊继续实习，表现优异者，画廊可考虑将其留下发展。

2010年10月28日，上海鲲鲤国际影廊（kunst.licht Photo Art Gallery）在上海外滩的顶级

会所之一M1NT为世界著名时尚摄影大师米高•孔泰（Michel Comte）的摄影展《名流（FAME）》

进行了隆重的开幕酒会。

2011年4月20日至5月19日，上海鲲鲤国际影廊将在“上海港汇恒隆广场”中庭展出米高•孔泰的26幅

肖像摄影作品，包括30年来米高•孔泰拍摄的世界名流：Jeff Koons, Mike Tyson, Carla Bruni,

Jermey Irons, Sophie Loren,Catherine Denevue, Demi Moore, Penelope Cruz,

Sofia Coppola, Iggy Pop, Cindy Crawford,Claudia Schiffer, Naomi Campell ...

特此，上海鲲鲤影廊招募实习生，为米高•孔泰在“上海港汇恒隆广场”中庭的摄影艺术展做接待、

讲解等相关工作，待遇面谈。

时间：2011.4.20-2011.5.19
实习地点：上海港汇恒隆广场
简历发送邮箱：joanna@kunstlicht.sh
请有意者，将个人简历（中英文）及照片发到以上邮箱,我们将尽快给予回复。
另：请在mail简历时，所有的文档都注明姓名。

展期实习结束后，如有意愿，可到鲲鲤国际影廊继续实习，表现优异者，画廊可考虑将其留下发展。

实习内容：
　　　　1、协助画廊的日常管理事务；
　　　　2、与中外艺术家及媒体保持联络，协助展览宣传和市场运作；
　　　　3、学习最基本的展览策划流程，协助策展人组织展览。

　　　　职位要求：
　　　　1、本科以上学历，管理类、语言类、设计类、艺术类、传播类、营销类者优先；　　
　　　　2、热爱艺术特别是影像艺术，希望深入了解艺术管理并获得相关经验者；
　　　　3、英文口语和写作流畅，能与外籍人氏良好沟通；
　　　　4、熟练使用办公软件，有photoshop、illustrator基础者更佳。　

背景简介： 

鲲鲤国际影廊（kunst.licht Photo Art Gallery）由中德艺术人士于2008年4月共同创立，

专注于当代影像艺术作品的经营与收藏，吸纳了一批国内、国际优秀的摄影艺术家，其中既有杰

出艺术家亦不乏后起之秀。鲲鲤团队承诺提供卓越的影像艺术品，并且保证藏品的品质达到博物

馆级收藏标准。鲲鲤的目标是能为藏家甄选精益求精的可藏之品，同时将一些优秀的当代摄影家

及其影像艺术在全球范围内进行推广。保持国际顶尖摄影画廊的艺术触觉和水准，是鲲鲤国际影

廊的核心价值观。我们的愿景是使鲲鲤国际影廊成为中外藏家收藏当代影像艺术的第一站。

影廊位于上海繁华街区静安寺附近，由别致的老式洋房改建而成，工作环境舒适。我们有国际化

的专业团队，氛围积极而融洽。

实习生将在极具文化气息的环境中，近距离感受当代艺术的脉搏，并学习有关展览策划与市场运

作的知识。

上面这段话是想说明这样一个问题，你所看到的这个展览并非是一个正确的展览。策展人往往会用概念以及理念来定义展览，尤其是在当下这个大时代背景下，太多的转折和不确定，使得人们对预言充满了兴趣，但如果拿捏不当却反而生成更加大而空泛的疑问句。我发现自己对之并无兴趣和能力来把握。所以，这个展览没有主题。从人肉味儿的角度来看它，可能会更为合适，因为它呈现出的是我对一些问题的看法以及我个人的视角。

个人，更确切地说是“个体”是我在鲲鲤所征集到的作品里试图寻找的。对于我这样一个出生在七十年代的人，是否存在一种个体为上的生活？我能够望见，却又无法触碰。这种焦灼让我渴望看到以此为主题的探索。比如，廖逸君对约定俗成的男女关系的提问，杨文洁所记录的女性和她们的个人空间，以及连芷平发散着女性个体性别意识的作品。

到这里，你可能发现这个展览似乎具有太过强烈的女性视角，作为一个女性策展人，我无法回避这个问题。最近一段时间，我对自身存在的很多问题也颇为困惑，只是我没有摄影师那么大胆将之表露出来。

我希望这个展览带有更多的陈述意味。正如上面所提到的，在我们的生活中，已经充斥太多的疑问句。陈述句的稀缺，是因为它难以获取，每一句陈述背后都必须包含一个对已经存在的事实的观看——这又费劲儿，又危险。在这个展览里，身处军营的李宇宁旁观一群女兵的生活；周仰从英国的老年公寓开始，回到上海继续拍自己外公外婆的生活，朱骞呈现的是上海南市的世俗生活。他们的观看多少都带有一些好奇，但同时又有所收敛。他们的照片没有将被摄对象神秘化，边缘化，英雄化，这使得我能够从他们的照片中看到对事实的陈述。

摄影师的陈述是用他们的摄影行为来实现的——现在我们终于开始谈论摄影。我很庆幸，不必用艰涩的语言来阐释这个展览的作品，它们都颇为一目了然地存在着。我不知道这是否会让观者，尤其是专业观者感到失望？因为似乎有这样一种气氛，期待一些更大更为玄妙的让摄影成为艺术品的宣言。我可不想掉到论述摄影怎样才能成为艺术的泥沼里。20世纪初，直接摄影流派奠定了摄影语言在材质上的美感，从六十年代开始，摄影这一语言在表意时候似有似无，意义可以在其中任意穿梭，介入，这一柔性语言体系矛盾重重的特点被更多艺术家所关注，而自此以后，还没有什么振聋发聩的对摄影本体的探索。至于还能有什么，我想，还是留给更为聪明的人来做.在我看来，如何把世界装到一个小盒子里，什么是应该观看的，怎样观看，关于这些摄影的行为还有很多探讨的空间，尤其是当它们与摄影师独一无二的个体发生化学反应时，仍然能够生成不可替代的作品。审视这个展览的摄影师，照片可能只是他们作品的一个构成部分，这使得他们所做的事情不能被轻易复制。

若把作品从摄影师人的氛围中割裂，就那些单纯的图像而言，也许一切都可以复制，参加此次展览的唯一一个非摄影者王文静，她将本雅明的著作《机械复制时代的艺术》复制、切割，再压缩——最后的结果你在现场可以看到。

我将一个非摄影者引入这个摄影展览，因为我感到一切带有边界的东西都已经开始或者即将融化，这包括艺术的边界，摄影的边界，甚至也包括国与国的边界。而最为直接的结果就是，我们没有必要再对一些既定的潜在观者说话，而是要说自己想说的话。在这个展览里，没有特色鲜明的“中国风”，所有的作品都是彩色的——也许显得不是那么摄影，而这就是我对应该面对谁和做些什么的思考方式的反抗。

感谢鲲鲤给我提供了这样一个干净的白色空间，在摄影师的选择，甚至是作品的装裱问题上，都没有做任何干涉。在我们当下这个看似自由，却处处又都隐含着规范和限定的现代社会中，这几面白墙的存在实属难得。

任悦

视觉传播博士，纽约大学访问学者，美国尤金·史密基金会新闻摄影助研奖获得者，翻译和出版多部著作，为国内多个摄影媒体撰写文章和评论。个人博客“1416教室”是中国年轻摄影师获取摄影资讯，交换摄影观点的平台，通过主持camp摄影观片会，创办ofpix摄影发展基金，致力于中国摄影教育工作的推动。